Agatha Ruiz de la Prada, diseñadora madrileña, una de las más longevas de la industria española, ha logrado crear un universo propio que excede, con mucho, el ámbito de la moda y que puede equiparse al creado por grandes nombres del diseño como Jean Charles de Castebajac o Armani.

Nacida en Madrid en los años sesenta, fruto de la unión entre el arquitecto Manuel Ruiz de la Prada y una aristócrata catalana, Ágatha cursó sus estudios de diseño de moda en Barcelona. Su primer contacto con la industria fue trabajando como ayudante en el estudio del diseñador Pepe Rubio. Comenzó su carrera en un sótano situado en la calle Marqués de Riscal en la misma época que Jesús del Pozo o Manuel Piña. Su nombre empezaba a sonar con fuerza en el Madrid de La Movida.

En cuanto a la elección de su nombre, la ‘h’ de Ágatha es, según ella misma, “una cursilada. La primera vez que escribí mi nombre, ya me enseñaron a escribirlo con hache. En cuanto al apellido, tampoco iba a llamarme Ágatha Ruiz. Ya comprenderás que no sonaba. Desde pequeña me tomé el traje y el diseño como trabajo, nunca como juego”, relataba.

Sus creaciones están indisociablemente unidas al binomio arte/industria. Por un lado, sus piezas, escultóricas e hiperestructuradas, han sido exhibidas con frecuencia en museos y galerías de todo el mundo. Por otro, su producción no se ha centrado únicamente en el mundo de la moda, sino que se ha extendido a otros ámbitos como el de la decoración, la papelería y hasta los accesorios para mascotas. Además, ha colaborado con diferentes empresas y organismos oficiales en el diseñado de uniformes, vestuario y escenografías para espectáculos de teatro, ópera y danza, luces de Navidad o parques infantiles.

Optimista, colorista y enemiga acérrima del negro, en el universo de Ágatha predominan el juego, los colores estridentes, los lunares, las estrellas, las rayas y los corazones. “La ropa te puede hacer feliz o desgraciado”, reconocía. “Las tendencias y en particular algunos estilismos pueden llegar a hacer sufrir a la mujer. Para presumir no hay que maltratarse, unos tacones de vértigo y un cinturón que oprima resulta desagradable», reivindicaba.

Casada con el periodista Pedro J. Ramírez, del que se separó en 2017, y madre de Tristán y de la it girl patria –y heredera del imperio– Cósima Ramírez, sus creaciones no siempre han sido tratadas con la consideración que merecían. En 2015 su nombre sonó con fuerza a nivel internacional cuando Miley Cyrus escogió dos de sus vestidos esculturas para presentar los Video Music Awards de la MTV, decidiendo agatizarse.

Aunque es poco amiga de las musas –ella es la mejor representate de su personalísimo proyecto–, Cyrus, una fémina desprejuicida y ajena al pudor, representa a la perfección el espíritu de la marca. Ante la pregunta de cómo es la ‘mujer Agatha’, ella respondía: “No tengo ni idea porque vendo desde bebés a todo tipo de edades. Hay quien me compra azulejos, otros un bolígrafo, calcetines o un perfume. Debo ser de los diseñadores que menos target tienen”.

Es, muy probablemente, el creador de moda más importante que ha dado nuestro país. La fama y el prestigio de Cristóbal Balenciaga como modisto han traspasado todas las fronteras y han calado hondo entre sus colegas de profesión. Según sus propias palabras, “un modisto debe ser arquitecto para los planos, escultor para formas, pintor para el color, músico para la armonía y filósofo en el sentido de la medida”.

Su precisión, manejo de la técnica y perfeccionismo le reportaron grandes halagos por parte de contemporáneos suyos como Christian Dior que lo denominaba “el maestro de todos nosotros”, Hubert de Givenchy que se refería a él como “el arquitecto de la Alta Costura” o Coco Chanel, a la que le unía una profunda admiración mutua, que lo calificaba de auténtico couturier. Enmanuel Ungaro, junto a otros como André Courrèges, fue discípulo suyo y dijo de él: “Es una persona extraordinaria. Tiene dimensiones poderosas. Es generoso, y muy inteligente y humano”.

Balenciaga nació en Guetaria, un pueblo pesquero de la costa vasca. Su padre, pescador, murió cuando Cristóbal tenía 11 años. Su madre se hizo cargo de la economía doméstica y se dedicaba a coser para sacar adelante a la familia. Este hecho permitió a Cristóbal, el pequeño de cinco hermanos, familiarizarse con el patronaje y la costura desde una edad muy temprana.

Siendo un adolescente, conoció a la marquesa de Casa Torres, abuela de la Reina Fabiola de Bélgica, la cual se convertiría en su mecenas. Se formó en algunos de los establecimientos más prestigiosos de San Sebastián, a pocos kilómetros de Guetaria. La capital guipuzcoana se convirtió por aquel entonces en un lugar de vacaciones bastante popular entre la monarquía y las clases altas españolas y europeas. Gracias a ello, Balenciaga entró en contacto con determinadas formas y modos de vida a los que, probablemente, no hubiera tenido acceso por su origen humilde.

En 1917 se decidió a abrir su taller, con la ayuda de su hermana y, en relativo poco tiempo fue ganando un prestigio que le reportó clientela procedente de la alta aristocracia y la realeza y le permitió expandir el negocio creando un segundo taller, Eisa, en honor a su madre, destinado a una incipiente clase media. En 1924, ante las buenas perspectivas del negocio, abre su primera tienda en Madrid y, justo un año después, se instala en Barcelona.

Balenciaga, simpatizante del gobierno de la II República, se exilió a París tras el estallido de la Guerra Civil. En 1937, presentó su primera colección y el éxito fue fulminante. Sus creaciones, basadas en la comodidad, la pureza de líneas, la reinterpretación de la tradición española y en el desarrollo de los volúmenes, marcarán la moda entre los años 40 y hasta mayo del 68, cuando la Alta Costura empieza a perder peso en favor del prêt-à-porter. Precisamente ese año decide echar el cierre y volver a España donde muere en 1972.

Según Pedro Mansilla, Balenciaga era tan perfecto “que todavía hoy todo el mundo se pregunta dónde aprendió a coser este hombre”. Parece que casi todo lo aprendió de su madre. Reacio a aparecer en prensa y a conceder entrevistas, decidió vivir su vida desde el otro lado del objetivo, cediendo todo el protagonismo a sus creaciones y convirtiendo su figura en auténtico enigma. Para él, “es más importante el prestigio que la fama. El prestigio queda, la fama es efímera”.

Puntual, metódico y alérgico a la frivolidad que rodea al mundo de la moda, en sus talleres reinaba el silencio. “La mujer debe andar de manera natural y no sentirse insegura en su paso”, sentenciaba Balenciaga, que siempre se mantuvo fiel en sus propuestas al tacón bajo, la falda por debajo de la rodilla y la manga tres cuartos. Éstas, sus obras, como las de cualquier otro reconocido artista, forman parte de las colecciones más prestigiosas y se han expuesto en los principales museos del mundo, desde el Metropolitan Museum de Nueva York, a la Fundación de Moda de Tokio o el Museo del Tejido de Lyon. No en vano, en  2011 se inauguró el Museo Cristóbal Balenciaga en Guetaria, su ciudad natal, un espacio de más de 9.000 metros cuadrados en homenaje a uno de los grandes de la moda y el lugar en el que se exhiben la mayor parte de sus fondos, 1.200 piezas concretamente. 

Jean Paul Gaultier (Arcuel, 1952) y su marca, Jean Paul Gaultier, es probablemente uno de los últimos grandes iconos salidos de Francia y una de las figuras más relevantes de la moda de este siglo y del anterior. Este diseñador, eternamente joven y eternamente rubio oxigenado, nació y se crió en el barrio de Arcueil, en las afueras de París. Entró a trabajar en Pierre Cardin con tan sólo 18 años y, desde entonces, su trayectoria ha sido imparable.

Tras una estancia en Filipinas, de vuelta a París, en 1976, Gaultier presentó su primera colección, una especie de atentado contra el consabido buen gusto francés. “La verdad es que mi primer desfile no era muy bueno, pero me sirvió para dar el salto”, asegura él. No habría que esperar mucho para verle triunfar. Su quinto desfile ya fue un auténtico éxito.

Sus creaciones entre kitsch y marginales -una mezcla infinita de referencias- le valieron el calificativo de enfant terrible. En 1997 abrió su casa de Alta Costura y con ella llegarían la legitimidad y el reconocimiento. Un reconocimiento que provocó que pocos años después fuera elegido para el cargo de director creativo en Hermès.

Provocador e iconoclasta, debutó en el diseño de moda masculina con una colección en la que se saltaba a la torera las convenciones de género introduciendo faldas y corsés en el armario masculino. Con un taller en la Rue Saint Marton de la Ciudad de la Luz en el que emplea a más de 100 personas, algunos de sus diseños resultan indisociables de la cultura española, sobre todo sus trabajos con Almodóvar. “Almodóvar es la vida, el entusiasmo, el drama, la tragedia. Recuerdo el fitting de Kika como uno de los más duros de mi vida. Es un genio y en Francia se le admira muchísimo”.

Karl Lagerfeld, también conocido como el Káiser de la moda, fue un creador, uno de los más importantes de la historia. 

Nacido en 1933 en el seno de una familia noble alemana, la vida de Lagerfeld como diseñador fue prolífica a la par que precoz: con sólo 12 años se trasladó a Francia para continuar con sus estudios y ya a los 16, tras abandonar la escuela, comenzó a trabajar para Pierre Balmain.

Dedicó su vida a la moda y su carrera posterior fue larga. Pasó por Fendi, casa en la que siguió trabajando hasta su muerte, se consolidó como el gran referente que fue como director creativo de Chanel –casa para la que además realizaba las campañas publicitarias como fótografo– y consolidó su forma de entender el mundo creando su propia marca, Karl Lagerfeld.

«Cuando entré en la maisón nadie quería ponerse su ropa ni llevar sus accesorios. Nadie vestía de Chanel. Así que me lo tomé como un reto. Los dueños me dieron carta blanca para crear, para hacer algo que funcionase, pero sin presión. Si no lo conseguía, venderían la marca: pero sí insistieron en que con mi llegada vendría el éxito, como así fue. A mí me atrajo la idea de resucitar algo que estaba muerto» comentaba el alemán al respecto de su entrada en la mítica casa de moda. 

El Kaiser, como se le conocía popularmente, prefería mirar a ser mirado, por eso siempre llevaba gafas de sol y el pelo recogido en una coleta muy tirante. Una imagen tan intrínseca e indisociable de Chanel -comenzó a diseñar a comienzos de los años ochenta- como casi la de la propia Coco, fundadora de la marca.

Murió estando en activo, el 19 de febrero del 2019. Tras 36 años al frente de la casa de moda más importante del mundo, su último desfile, que ya no pudo disfrutar, fue un homenaje donde se juntaron algunas de sus musas -incluida Penélope Cruz-, a la que había estado muy unido en los últimos meses de su vida y que le dedicó el número de Vogue España del que fue editora invitada.

Polifacético como pocos –diseñaba, fotografiaba, editaba e ilustraba, entre otras cosas–, reconocía: «Me interesan casi todos los aspectos de la cultura y siento que todos me influyen de alguna manera. No existe una regla sobre lo que es inspirador y cómo puede afectarme. Para mí lo que funciona es observarlo todo, y luego olvidarte de ello y rehacerlo a tu modo«. Se reconocía un gran admirador de la cultura española: «Me encanta España. Me gusta visitar el Museo del Prado para ver Las Meninas, uno de los cuadros más bonitos del mundo».

Con su marcha dejaba una industria huérfana y un nutrido grupo de amigos -André Leon Talley o Anna Wintour que le dedicó un precioso texto en Vogue en el que lo calificaba de «amigo brillante»– y de musas –Inès de la Fressange, Claudia Schiffer…-.

También un gran legado que incluye un sinfín de piezas atemporales y alejadas de las tendencias, una gran atención a la artesanía -encajes de Lesage, plumas de Lemarié, botones de Desrues…-, epatantes escenografías y un buen puñado de clásicos, que Karl no dudó en reclamar, refrescar y reeditar, como el 2.55, los slingback, las perlas o las camelias yque demostraban no hay nada más eterno que aquello capaz de cambiar constantemente.

Óscar de la Renta nació en la República Dominicana, pero tuvo nacionalidad múltiple. Es lo que tiene estar tan cerca de la genialidad, que en todas partes te quieren. Siendo muy joven viajó a España para estudiar Bellas Artes y conoció a Cristóbal Balenciaga junto al que dio sus primeros pasos en el mundo de la moda. Desde aquí se trasladó a París para seguir creciendo personal y laboralmente.

El reconocimiento no tardó en llamar a su puerta y pronto tuvo que trasladarse a Nueva York para debutar como director creativo de Elisabeth Arden. Desde entonces, tanto los españoles, como los franceses y los norteamericanos no pararon de agasajarle con todos los honores habidos y por haber. Fue en EE. UU. donde decidió crear su propia marca usando su nombre convirtiéndose al instante en uno de los diseñadores más reputados a ambos lados del Atlántico y haciendo de su marca, Óscar de la Renta, un auténtico emblema de la industria.

Los diseños del dominicano para su propia firma se caracterizaron por ser femeninos, estilizados y con un corte que tiende hacía lo clásico. Sus prendas se dirigen a mujeres de clase media alta, que han superado la veintena y que buscan en los diseños ligeramente drapeados y glamourosos de la marca un fiel aliado que estilice sus figuras. Con el paso de los años, el emporio se ha extendido a todo tipo de productos, desde bisutería hasta muebles o perfumes. No en vano, todo lo que la firma De la Renta toca se convierte en oro y, sobre todo, en sinónimo de prestigio y buen gusto.

En 2014 se confirma la incorporación a la firma de Peter Copping como director creativo. «Me alegra mucho que Peter haya aceptado unirse a nosotros», declaraba Óscar de la Renta. «Tiene un gran talento y, además de nuestra común sensibilidad para el diseño, compartimos una profunda curiosidad por la música, el arte, la arquitectura o los jardines. Nuestra industria no siempre ha hecho el mejor trabajo en lo que se refiere a cambios en el liderazgo en el diseño. Mi esperanza es que, al participar activamente en la selección y en la transición, pueda asegurar el correcto futuro creativo para la compañía y la marca» añadía el legendario creador.

En 2016, y por sorpresa, se anuncia que Peter Copping abandona su cargo de director creativo en Oscar de la Renta. «Después de casi dos años en Oscar de la Renta, circunstancias personales requieren mi vuelta a Europa», declaraba el diseñador en un comunicado. En sus ocho colecciones al frente de de la Renta, Copping rejuveneció la marca sin alejarla de sus códigos identitarios.